Federica Galli était une figure éminente dans l'art de la gravure en Italie.
Entre 1954 et 2008, elle a gravé environ un millier de plaques.
Les paysages représentés sont principalement ceux de la plaine lombarde. Les points de vue sont ceux de Milan et Venise.
Décédée en Février 2009 elle a confié son héritage artistique à une fondation qui porte son nom. Cette fondation a été créée en 2010 à Milan et il poursuit l'objectif de protéger le nom et l'œuvre de cet artiste qui a laissé sa marque dans l'histoire de l'art italien des cinquante dernières années.

A l'aube de l'exposition des Shadows d'Andy Warhol au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, les images de Billy Name nous offre une autre chance d'apercevoir l'intérieur des célèbres murs de la Factory.
Billy Name fut le bref amant de Warhol, un ami de longue date et célèbre archiviste. Sa série Silver Age est un documentaire raffiné: certaines photographies sont spontanées, d'autres mises en scène, mais toujours viscéralement belles.
Billy a également été le décorateur et le directeur de casting des films de Warhol. Il a créé ses photos comme des tableaux vivants entre prises de vues cinématographiques et instantanés iconiques.

Billy Name: The Silver Age: 
Black and White Photographs from Andy Warhol’s Factory is published by Reel Art Press.

© Billy Name / Reel Art Press

Billy Name: Susan Bottomley, International Velvet, 1966
© Billy Name / Reel Art Press

Billy Name: The Velvet Underground, 1967
© Billy Name / Reel Art Press

Le travail de Javier Riera est basé sur des formes géométriques lumineuses, directement projetées sur la végétation et le paysage. Il utilise la photographie comme moyen de diffusion et d'archivage. Mémoire de l'événement, sans aucune manipulation numérique. Ainsi, il se concentre sur une expérience d'intervention réelle sur "l'espace et le temps du paysage", quelque chose qui le rapproche étroitement des œuvres du Land-art.

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Les peintures de Alex Roulette sont à la fois réalistes et subtilement surréaliste. Ce que l'on pourrait d'abord penser c'est que ses peintures ne sont que des photos de vacances travaillées de manière hyperréaliste. Elles sont en fait imaginées à partir de scénarios fictifs et tout droit sortis de l'esprit d'Alex. Des souvenirs d'été qui rappellent des photos d'amis, de paysages, de situations mais qui en fait n'ont jamais existé.

Un concept étrange maintenant que nous sommes tous tellement habitués à voir des milliers d'images "personnelles" sur les réseaux sociaux.

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Le cahier des charges était simple pour Candela. "Mais il nous a en fait donné un peu mal à la tête», dit Max Fraser, directeur adjoint de la London Design Festival. «Les possibilités étaient sans fin."

Parrainé par la marque italienne de montres Officine Panerai, le designer Felix de Pass, le graphiste Michael Montgomery (Graphic Thought Facility) et le céramiste Ian McIntyre étaient invités à créer une expérience basée sur le concept du temps en utilisant "superluminova"; un matériau phosphorescent utilisé par Panerai pour faire ses montres qui brillent dans le noir. Aucune autre indication a été fournie.

Le résultat est Candela: une installation immersive constituée d'une roue mécanique qui tourne doucement pour passer à travers une source de lumière de 700 LED programmables, logés dans une enveloppe en céramique.
L'installation est situé dans la V&A’s Tapestry Gallery, un espace qui est faiblement éclairé pour aider à préserver les pigments des tapisseries exposées.

Daydream est une installation audiovisuelle qui génère des distorsions spatiales. Accélérations, contractions, changements et métamorphoses sont le champ lexical de ce projet. Cette installation vise à établir une connexion physique entre l'espace virtuel et l'espace réel, brouillant les limites et l'immersion du spectateur dans un détachement de la réalité. Daydream est une invitation à la contemplation.




Ce projet me rappelle les installations de Kit Webster qui a également exploré la lumière et les visuels projetés dans l'espace en utilisant différentes couches de structures géométriques.

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Il y'a quelque chose de fascinant entre ce "naturel brut" et l'art d'inspiration organique. Ces boîtes de Pétri, détiennent un certain pouvoir créatif. Même si Antoine insiste sur le fait que l'intérêt qu'il porte à ses expériences n'est que purement esthétique, elles intriguent bien des biochimistes.

"Pourquoi est-ce un bleu?" "Quels sont-ils"? et "Comment peut-on en obtenir de si gros?" Ce sont que quelques-unes des questions auxquelles Antoine Bridier-Nahmias a gentiment répondu sur son blog, où vous pouvez voir les créations dans un ensemble aux couleurs arc en ciel délavé.

C'est dégoûtant? Oui, mais je vous défie de ne pas vous écrier: «urgh, mais regarde celui-là!"
En les regardant avec émerveillement.

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Connu pour briser les frontières entre l'art et la science, Saraceno fait souvent référence à des organismes vivants pour expliquer ses œuvres interactives . Il a travaillé sur une période de trois ans avec des arachnologistes (experts dans l'étude des araignées), ainsi qu'avec des architectes et des ingénieurs pour réaliser In Orbit.


courtesy K21 Staendehaus

Lorsque plusieurs personnes entrent en même temps dans cette installation audacieuse, leur présence la met en mouvement en modifiant la tension des fils d'acier et les intervalles entre les trois niveaux de grillages.

Selon Saraceno : "Cette configuration spatiale flottante devient alors un réseau de relations et de résonances."

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Arne a passé des semaines à prendre des photos voyeuristes de ses voisins dans leurs luxueux appartements de Manhattan. Le résultat semble banal mais est en fait fascinant.

Un jeune couple prenant son petit déjeuner, une femme assise seule avec une serviette nouée en turban, un homme faisant la sieste au soleil...
Mis à part ce que le sujet même de cette série de photographies peut soulever comme objections, ce que Arne Svenson nous donne vraiment à voir, c'est le portrait d'un mode de vie et de son environnement. Il pose un regard calme, à la manière de Vermeer, sur les habitants d'une ville contemporaine.

Ce sont certainement les plus beaux portraits que nous ayons pu voir depuis longtemps.


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Mary Tilman grandit dans une famille pauvre de métayers du Mississippi. Elle ne reçoit qu'une éducation rudimentaire à l'école de l'église locale. Pendant des années, elle gagne sa vie comme employée de ferme. A bout de force, elle déménage à Hazelhurst dans le Mississippi, ou elle travaille comme domestique, jardinière et baby-sitter. Elle prend sa retraite en 1975 et commence alors à transformer le jardin de sa petite maison en galerie d'art.

Utilisant des planches de bois ou des tôles comme support, elle peint le quotidien: des portraits d'amis, de voisins, des figures allégoriques ou des animaux de la ferme. La plupart en une ou deux couleurs. Elle ajoute parfois des signes ou des slogans qui marquent sa croyance son amour de Dieu.

Si l'œuvre de Mary T. Smith, comme celle de Bill Traylor (dont j'ai déjà parlé ici), plonge ses racines dans le folk-art, elle s'en éloigne aussi par la liberté et l'inventivité qu'elle témoigne par rapport aux schémas traditionnels.

Avec un sens presque autiste de l'ordre, Michael Johansson empile et
organise des objets de la vie quotidienne dans une sorte de
3D-Tetris jusqu'à ce que l'esthétique et le commentaire
social (déchets, gain de place, organisation productive) forment une liaison presque sainte.

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Pierre Andréotti, Jonathan, femme,
2012 Digigraphie (photographie in situ) — 37 × 45 cm
© Pierre Andréotti

Monstre a demandé à neuf artistes d’extraire une image d’une de leurs œuvres. Cette image peut être la représentation totale ou partielle d’une œuvre (photographie, peinture, vidéo, dessin) déjà existante et finalisée. Ensuite, ils élaborent un portfolio avec Gilles Beaujard, le directeur artistique de Monstre, et enregistrent des données sur leurs clés USB.
Monstre a demandé à certains auteurs d’écrire un texte à l’aide de quelques mots-clés qui découlent de l’analyse de l’image sérigraphiée. Ces textes seront également designés par Gilles Beaujard.

→ Galerie de Roussan

10, rue Jouye-Rouve
75020 Paris

«Le papier est tout simplement du papier tant qu'il est blanc, mais une fois que vous dessinez sur lui, il devient «un dessin».
Un dessin imaginaire, exécuté avec la lumière de la fibre optique, peut aller au-delà des murs, où l'intégrité ne peut être reconstruite comme un puzzle dans l'esprit du spectateur. L'installation prend en charge l'espace et intègre le dessin.

La ligne de la fibre optique passe de chambre en chambre perçant les murs et les planchers, combinant l'environnement externe avec l'interne:. «Espace perméable, l'endroit où la lumière génère l'espace"
- Carlo Bernardini

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"Citant Anish Kapoor comme une influence majeure, Dawe crée des structures spatiales et complexes. En donnant une expression visuelle à ces forces tendues, l'artiste fait allusion à la théorie évolutionniste, l'imagerie microscopique et les motifs inhérents à la nature, attirant ainsi notre attention sur «l'ordre invisible au milieu du chaos de la vie."(sic) Ces installations étonnantes de la série Plexus rendent visible l'immatériel, formant des structures qui existent sur ​​les limites mêmes de notre compréhension".


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Admirée par Charles et Ray Eames, Saul Bass et John Cage, la nonne sérigraphe Corita Kent (1918-1986) a été parmi les personnes les plus exotiques de la scène artistique des années 60 à Los Angeles. Bonne Sœur de la communauté du "Cœur Immaculé de Marie", elle a dirigé le département d'art au Collège du Cœur Immaculé pendant une dizaine d'année.Synthèse entre le catholicisme progressiste et le Pop Art.
Une édition limitée de 350 exemplaires a été éditée par 50x70 au prix de 195 £.
Il n'est pas dit si les fonds récoltés iront aux bonnes œuvres.

La dernière campagne d'American Apparel est le fruit du travail de la toujours très brillante Sarah May, dont les créations pour Santucci & Co, ont honoré les pages d'Esquire, Dazed and Confused, Wallpaper* et j'en passe. Sa capacité à transformer des objets inanimés en de subtiles et étonnantes compositions de mouvements, de vibrations donne un sacré coup de pied aux «natures mortes» jusque-là employées par la marque.

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"Ces images ont été produites par des projection de lumière grand format. Le projecteur, alimenté par un générateur portable, a été déplacé de site en site. Toutes les pièces ont été photographiées de nuit en utilisant une exposition longue. Les nuits sans lune, le paysage était éclairé par des projecteurs. Les reliefs sont assez grands et il fallait que le projecteur et la caméra soient en moyenne situés à 1/2 kilomètre du sujet"-. Jim Sanborn

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Posez vos stylos et crayons, débranchez votre souris et prenez un moment pour profiter des sons ambiants des "Sunboxes", une installation permanente et itinérante de l'artiste et musicien Craig Colorusso. Composé de 20 haut-parleurs alimentés par capteurs solaires, chaque boite joue une note de guitare en boucle. Chaque boucle est unique et sa longueur est variable formant un chevauchement ondulant en Si bémol. Vous pouvez vérifier par vous-même les sons produits par ces boîtes solaires sur le site de Sunboxes.

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« Tout est comme avant » pouvait-on lire sur les murs de la Sorbonne en 1968. Première trace provocatrice autant que potache du collectif bordelais Présence Panchounette qui partira en guerre contre le monde de l’art de 1969 à 1990 à coup de tracts, de lettres irrévérencieuses ou d’interventions foutraques.

Le groupe étend rapidement son action à la scène artistique internationale dont il pointe avec un jovial acharnement les hypocrisies esthétiques et les tabous idéologiques.

→ Lien / Galerie Semiose

Il m'a fallu un moment pour articuler quoi que ce soit sur le travail de Berëzkin. Je ne suis pas le seul dans ce cas et je n'ai trouvé que peu d'informations au sujet de cet "artiste". Beaucoup de ses pièces correspondent parfaitement aux nouvelles tendances des médias contemporains tandis que d'autres semblent se lire comme des collages dadaïstes. Berëzkin semble s'inscrire naturellement dans la culture visuelle contemporaine tout en livrant des indices subtils qui font référence à une multitude d'autres œuvres et d'artistes. La nature référentielle de ces collages les rend facilement accessibles. Mais au-delà de la récompense visuelle, je ne suis toujours pas sûr de ce qu'ils offrent. Une contradiction remarquablement puissante.

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